Konzert-Tipps

Wie teilt man die Welt am besten auf? Das war schon für die olympischen Götter keine leichte Aufgabe, zumal ihnen Liebesgöttin Venus ordentlich den Kopf verdrehte… Nach der siegreichen Schlacht der Götter gegen die Titanen sollte die Erde an Jupiter gehen, die Meere an Neptun und die Unterwelt an Pluto. Alles hätte in schönster Ordnung sein können, doch Venus sorgte mit ihren Reizen für Eifersucht und Familienkrach im Götterhimmel. In Giovanni Legrenzis barocker Opernkomödie »La divisione del mondo« mit dem erstaunlich frischen und frechen Libretto von Giulio Cesare Corradi geht es drunter und drüber, während herrliche Arien, herzzerreißende Lamenti und muntere Rezitative einander abwechseln. Bei der Uraufführung in Venedig im Jahr 1675 war die Oper ein großer Erfolg, doch irgendwann geriet sie in Vergessenheit und wurde nach einem langen Dornröschenschlaf erst im Jahr 2000 wiederentdeckt. »Giovanni Legrenzi war als Komponist geistlicher Musik berühmt«, berichtet der französische Cembalist und Dirigent Christophe Rousset, der ein großer Kenner Alter Musik ist und für die barocke Oper brennt. »›La divisione del mondo‹ gehörte zu Legrenzis ersten Opernproduktionen für Venedig. Er schrieb das Werk für den Karneval, es hat also einen fröhlich-festlichen Charakter, was nicht bedeutet, dass der Ton bei dieser Oper immer leicht und lustig ist«, so Christophe Rousset, »es gibt auch sehr ergreifende Momente und die Oper hat große dramatische Kraft. An dieser Produktion wirken nicht weniger als vier Countertenöre mit, was wirklich außergewöhnlich ist. Dieses Opernspektakel legt es darauf an, die Aufmerksamkeit des Publikums zu fesseln.« Gemeinsam mit den munter aufspielenden Musikern seines Barockensembles Les Talens Lyriques und einer exzellenten Sängergarde entführt Christophe Rousset das Publikum in die faszinierende Welt der Götter. Freuen Sie sich auf einen ebenso amüsanten wie opulenten Opernabend!

FEL!X Original.Klang.Köln

Die Christuskirche am Stadtgarten gewann den Architekturpreis 2018 der Evangelischen Kirche im Rheinland für ihr gelungenes Miteinander von historischer Bausubstanz und moderner Architektur. Auch die Künstler des Ensembles Continuum spielen bewusst mit dem Kontrast zwischen Alt und Neu, zwischen barocker und zeitgenössischer Musik. »Kontraste haben eine spannende dialogisierende Wirkung«, sagt Elina Albach, Cembalistin und Leiterin des Ensembles »Wenn ein altes Stück neben ein zeitgenössisches gestellt wird, hört sich die zeitgenössische Musik plötzlich aufregend neu an und die alte Musik wirkt harmonisch und warm.« Mit einem Programm, das die Brücke von Bach zur Gegenwartsmusik schlägt und Raum für Improvisation lässt, wandeln die Musiker auf den Spuren des Romans »Schlafes Bruder« von Robert Schneider. Schauspieler Thomas Halle, der für die Rolle des Edward Snowden in der Inszenierung »Ich bereue nichts« den Günther-Rühle-Preis erhielt, steuert die Texte bei. So entsteht ein facettenreiches Gesamtkunstwerk, bei dem Instrumental-, Vokalmusik und Sprache eine faszinierende Verbindung eingehen.

Dass vier Musiker ganze Opernouvertüren und Instrumentalkonzerte in orchestraler Klangfülle zu Gehör bringen können, zeigt das Ensemble 4 Times Baroque. Unter dem Motto »Caught in Italian Virtuosity« beschwören sie nicht nur den Zauber des italienischen Barocks von Vivaldi, Sammartini und Co., sie bringen auch die Freude am virtuosen Zusammenspiel von Blockflöte, Violine, Cello und Cembalo temperamentvoll zum Ausdruck. Mit interessanten Entdeckungen und Raritäten wie einer Triosonate von Pierre Prowo präsentieren sie besondere Repertoire-Leckerbissen. »Wir freuen uns darüber, in unseren Konzerten immer öfter junges Publikum zu sehen, das vom Spaß an der Musik angesteckt wurde«, sagt Flötist Jan Nigges. »Wir bemühen uns um eine lockere Konzertatmosphäre, etwa durch eine humorvolle Moderation.«

11:00-11:45 Ensemble Continuum
Pause
12:15-13:00 4 Times Baroque

FEL!X Original.Klang.Köln

In der barocken Ursulinenkirche, der ehemaligen Klosterkirche des Ursulinenordens, spüren zwei kleine, feine Ensembles mit historischem Instrumentarium geistlichen und weltlichen Klängen des Barock nach.
Gäbe es ein »Real Book« der Barockmusik: Welche Stücke wären darin enthalten? Das fragt sich das Ensemble Combo CAM und präsentiert Evergreens aus dem 17. Jahrhundert. Schon damals war es der Liebeskummer, der zu zeitlos schönen Melodien inspirierte, die nichts von ihrer Süße und Melancholie eingebüßt haben. Monteverdi etwa schuf aus dem anonymen Barockgedicht »Si dolce è’l tormento« – »So süß ist die Qual in meinem Herzen« – sein berühmtestes Lied. Auch das Folia-Thema, das seinen Ursprung auf der Iberischen Halbinsel hat, wurde weltbekannt und fand sein Echo in unzähligen Variationen. Solche und viele weitere barocke Hits gehören zum unschätzbaren musikalischen Erbe der Menschheit.

Himmlische Klänge steuert das Ensemble Nuovo Aspetto mit dem Programm »Si more cantando, si more sonando« bei. Die Musiker präsentieren Teile der Canzonette spirituale e morali des Priesters und Organisten Francesco Ratis. Der war an der Stiftskirche San Lorenzo in Chiavenna tätig und schuf Musik, die weniger theologisch als lebensnah ist, in seinen Canzonette stoßen populäre Tanzformen auf geistliche Texte. Einprägsame Motetten und virtuose Instrumentalmusik aus dem Italien des 17. Jahrhunderts runden das Programm ab.

11:00-11:45 Uhr Combo CAM
Pause
12:15-13:00 Uhr Chiyuki Okamura / Nuovo Aspetto

FEL!X Original.Klang.Köln

Leonardo da Vinci schuf nicht nur die berühmte Mona Lisa, er gilt auch als einer der größten Universalgelehrten aller Zeiten, war nicht nur Maler, Bildhauer, Architekt, Ingenieur und Philosoph, sondern auch Musiker. Der Mann aus dem toskanischen Vinci muss ein äußerst unterhaltsamer und geistreicher Gesprächspartner gewesen sein, Herrscher und Mächtige rissen sich um seine Gesellschaft. Witze, Rätsel und Anekdoten sind von ihm überliefert und philosophische Tagebücher voller Weisheit. Das Ensemble The Playfords hat ihm zu Ehren ein vielseitiges musikalisches Programm zusammengestellt, mit Kompositionen, denen Leonardo an seinen Wohnorten Mailand, Florenz, Rom und zuletzt in Frankreich begegnet sein könnte. Auf Renaissance- und Barockinstrumenten improvisieren die Musiker wie zu Leonardos Zeit üblich und weben unterschiedliche Texte von ihm ein. In diesem Jahr jährt sich der Todestag des Genies zum 500. Mal. Viel Schönes hat er der Nachwelt hinterlassen, auch diesen Spruch: »Die Zeit verlängert sich für alle, die sie zu nutzen verstehen.«

Das gilt sicherlich auch für Künstlerinnen, Künstler und Publikum des Blockflötenquintetts Seldom Sene aus Amsterdam. Zusammen mit der Sopranistin Klaartje van Veldhoven entführen die fünf Musikerinnen und Musiker ihre Zuhörer mit Liedern, Tänzen und Fantasien der englischen Renaissance ins Elisabethanische Zeitalter und suchen »Delight in Musicke«. Erstaunlich viele Vögel flattern durch Texte und Musik und erheben ihre faszinierenden Stimmen. Gesang und Blockflötenklang verschmelzen auf das Schönste oder treten in einen virtuosen Wettstreit. An anderer Stelle bahnen sich individuelle und intensive Gefühle ihren Weg zu großem Ausdruck. Liebe und Tod werden besungen, aber auch heitere Madrigale und virtuose instrumentale Tänze und Fantasien kommen zu ihrem Recht, lassen aufhorchen und lassen staunen, wie bunt und facettenreich die Welt der Blockflöte ist.

11:00-11:45 The Playfords
Pause
12:15-13:00 Klaartje van Veldhoven / Seldom Sene

Mit dem Programm »Suonin‘ le trombe!« entführen die Musiker des Ensembles Sua Dolce Maestà ihr Publikum in die festliche spanische Barockmusik. Die Arie für Sopran und Trompete stammt aus dem Stück »Los Desagavios de Troya« (»Die Wiedergutmachung von Troja«) von Joaquín Martínez de la Roca: prachtvolles spanisches Musiktheater, komponiert anlässlich der Geburt von Infant Felipe Pedro, Sohn von Philipp V. von Spanien. Im Barock wurde die Trompete nicht mehr nur als kraftvolles Militärinstrument fürs Signalgeben im Heer eingesetzt, sondern entwickelte sich zum Kunstinstrument. Besonders beliebt wurde es, Trompete und Sopran zu kombinieren. Die spanischen Komponisten des Barock wie Gaspar Sanz und Antonio Martín y Coll sind bei uns wenig bekannt, lohnen aber die Entdeckung, wie die Musiker von Sua Dolce Maestà eindrucksvoll unter Beweis stellen.

Die Sänger des Vokalensembles Voces Suaves, beheimatet in Basel, widmen sich in solistischer Besetzung Madrigalen und Vokalwerken des Frühbarocks. Mit ihrem Programm »Monteverdis Muse« gedenken sie der Sängerin Caterina Martinelli, die von Claudio Monteverdi ausgebildet und gefördert wurde und in der Oper »L’Arianna« die Titelpartie singen sollte. Doch dazu kam es nicht, die talentierte Sängerin starb zwei Monate vor der Uraufführung im Alter von knapp 19 Jahren an den Pocken. Nicht nur Monteverdi war tief erschüttert, auch der Herzog von Mantua trauerte um die junge Sängerin und ließ Monteverdi zu ihrem Gedenken einen Madrigalzyklus komponieren, die sogenannte Sestina: »Lagrime d’amate al selpolcro dell’amata« – »Die Tränen des Liebenden am Grabe der Geliebten«, eine fünfstimmige Madrigalversion des »Lamento d’Arianna« aus Monteverdis Oper. Das Werk zählt zu den bewegendsten Schöpfungen des Komponisten. Vokalkompositionen weniger bekannter Komponisten aus Monteverdis Umfeld ergänzen das Programm.

11:00-11:45 Sua Dolce Maestà
Pause
12:15-13:00 Voces Suaves

In diesem Kinderkonzert im Foyer der Kölner Philharmonie nimmt Gamelan Taman Indah euch mit auf eine Reise in den tropischen Regenwald. Berührende Melodien erklingen auf bronzenen Glockenspielen (Sarons), Gongspielen (Bonangs), dem ursprünglichen Xylophon (Gambang), glockenartig klingenden Klangkesseln (Kenongs) und gewaltig großen,  bronzenen Gongs. Wir treffen auf umherschwirrende Glühwürmchen (Rena Rena), den wilden Büffel (Kebo Giro) und den majestätisch schreitenden Löwen (Singah nebah). Ihr dürft bei unserem Konzert mehr als nur zuhören! Wir bieten euch Gelegenheit, den »schreitenden« Löwen mit uns gemeinsam zu musizieren. Die Kinder des Leverkusener Musikschulensembles Gamelan Taman Indah werden euch dabei unterstützen. Zum Abschluss zeigen wir euch mit unserer Bearbeitung von Arcangelo Corellis »La Folia«, wie einzigartig es klingt, wenn die tropischen Gamelaninstrumente mit einem westlichen Barockensemble gemeinsam zum Klingen gebracht werden.

In diesem Kinderkonzert im Foyer der Kölner Philharmonie nimmt Gamelan Taman Indah euch mit auf eine Reise in den tropischen Regenwald. Berührende Melodien erklingen auf bronzenen Glockenspielen (Sarons), Gongspielen (Bonangs), dem ursprünglichen Xylophon (Gambang), glockenartig klingenden Klangkesseln (Kenongs) und gewaltig großen,  bronzenen Gongs. Wir treffen auf umherschwirrende Glühwürmchen (Rena Rena), den wilden Büffel (Kebo Giro) und den majestätisch schreitenden Löwen (Singah nebah). Ihr dürft bei unserem Konzert mehr als nur zuhören! Wir bieten euch Gelegenheit, den »schreitenden« Löwen mit uns gemeinsam zu musizieren. Die Kinder des Leverkusener Musikschulensembles Gamelan Taman Indah werden euch dabei unterstützen. Zum Abschluss zeigen wir euch mit unserer Bearbeitung von Arcangelo Corellis »La Folia«, wie einzigartig es klingt, wenn die tropischen Gamelaninstrumente mit einem westlichen Barockensemble gemeinsam zum Klingen gebracht werden.

Die Tar mit ihrem eigentümlich metallischen, leicht vibrierenden Klang ist eines der wichtigsten Musikinstrumente im persischen Sprachraum, vor allem im Iran und seinen Nachbarländern wird diese Langhalslaute bis heute gespielt. Etymologisch ist das Wort »Tar« mit der indischen Sitar und dem griechischen Wort »kithara« (Ursprung für unsere »Gitarre«) verwandt. Das Instrument wird mit einem Messing-Plektron gespielt, sein Resonanzkörper ist achtförmig und symbolisiert so die Unendlichkeit. Traditionell wird er aus Maulbeerbaumholz gefertigt und mit einer dünnen Membran aus der Haut eines Lamms bespannt. Zweieinhalb Oktaven umfasst der Tonumfang der Tar, neben Ganz- und Halbtönen lassen sich auf ihr auch die für die persische Musik typischen Zwischentöne spielen, die für westliche Ohren ungewohnt sind, aber auch eine besondere Faszination ausüben.

Die iranische Tar-Virtuosin, Komponistin und Performance-Künstlerin Elshan Ghasimi ist eine der wenigen Meisterinnen, die dieses Instrument beherrschen. Studiert hat sie in Teheran und Baku und wurde mit 17 Jahren jüngstes Ensemblemitglied im persischen Nationalorchester. Heute lebt sie in Berlin und Teheran und tritt vor allem solistisch auf. In ihren Kompositionen greift sie persische und europäische Dichtkunst auf – Gilgamesch ebenso wie Goethe – und setzt sich für einen Dialog zwischen der klassischen persischen und europäischen Musiktradition ein. »Die Poesie und die Musik sind für uns stete Begleiter«, berichtet Elshan Ghasimi über die Kultur, mit der sie in Isfahan aufgewachsen ist und in der Poesie, Musik und Literatur untrennbar verknüpft sind. »Unsere Großeltern wispern uns Verse ins Ohr, lange bevor wir laufen können.« In der Tar hat sie ihr Ausdrucksmittel gefunden: »Die Form der Tar ist der des menschlichen Herzen nachempfunden«, ist Elshan Ghasimi überzeugt.

Stehplatzkonzert

Im Anschluss an die diesjährige Konzertreise nach England präsentiert fiat ars unter dem Motto "A Choral Journey" Chormusik aus dem 19., 20. und 21. Jahrhundert. Reise - eine eigentliche Reise sowie eine metaphorische "Reise des Lebens" und eine spirituelle Reise in die Tiefen des Glaubens.

Die Sänger des Vokalensembles Voces Suaves, beheimatet in Basel, widmen sich in solistischer Besetzung Madrigalen und Vokalwerken des Frühbarocks. Mit ihrem Programm »Monteverdis Muse« gedenken sie der Sängerin Caterina Martinelli, die von Claudio Monteverdi ausgebildet und gefördert wurde und in der Oper »L’Arianna« die Titelpartie singen sollte. Doch dazu kam es nicht, die talentierte Sängerin starb zwei Monate vor der Uraufführung im Alter von knapp 19 Jahren an den Pocken. Nicht nur Monteverdi war tief erschüttert, auch der Herzog von Mantua trauerte um die junge Sängerin und ließ Monteverdi zu ihrem Gedenken einen Madrigalzyklus komponieren, die sogenannte Sestina: »Lagrime d’amate al selpolcro dell’amata« – »Die Tränen des Liebenden am Grabe der Geliebten«, eine fünfstimmige Madrigalversion des »Lamento d’Arianna« aus Monteverdis Oper. Das Werk zählt zu den bewegendsten Schöpfungen des Komponisten. Vokalkompositionen weniger bekannter Komponisten aus Monteverdis Umfeld ergänzen das Programm.

Mit dem Programm »Suonin‘ le trombe!« entführen die Musiker des Ensembles Sua Dolce Maestà ihr Publikum in die festliche spanische Barockmusik. Die Arie für Sopran und Trompete stammt aus dem Stück »Los Desagavios de Troya« (»Die Wiedergutmachung von Troja«) von Joaquín Martínez De La Roca: prachtvolles spanisches Musiktheater, komponiert anlässlich der Geburt von Infant Felipe Pedro, Sohn von Philipp V. von Spanien. Im Barock wurde die Trompete nicht mehr nur als kraftvolles Militärinstrument fürs Signalgeben im Heer eingesetzt, sondern entwickelte sich zum Kunstinstrument. Besonders beliebt wurde es, Trompete und Sopran zu kombinieren. Die spanischen Komponisten des Barock wie Gaspar Sanz und Antonio Martín y Coll sind bei uns wenig bekannt, lohnen aber die Entdeckung, wie die Musiker von Sua Dolce Maestà eindrucksvoll unter Beweis stellen.


16:00-16:45 Voces Suaves
Pause
17:15-18:00 Sua Dolce Maestà

Frühe Gongfunde auf Java belegen, dass im knapp 12000 km entfernten Indonesien seit über 2000 Jahren musiziert wird. Mit der Gamelanmusik hat sich eine anspruchsvolle Musikkultur entwickelt, die im 17. und 18. Jahrhundert zur Blüte gelangte. Was die Alte Musik Javas und Europas verbindet, ist eine Vorliebe für Variation und Diminution. Die Gemeinsamkeiten und Unterschiede der beiden Musikkulturen wird Martin Ehrhardt mit seinem Barockensemble und Gamelan Taman Indah dem Publikum für alle Sinne erlebbar näherbringen. »Folies de Java« startet mit variierten Originalwerken für Gamelan und stellt sie zunächst Passacaglien und Folien für Barockensemble gegenüber. Das Konzert mündet dann mit den Arrangements von Biagio Marinis Thema mit Variationen und Arcangelo Corellis »La Folia« für Gamelan und Barockensemble in einer einzigartigen Verschmelzung zweier grandioser Musikkulturen, die sich zugleich ferner und näher nicht sein könnten.

In der barocken Ursulinenkirche, der ehemaligen Klosterkirche des Ursulinenordens, spüren zwei kleine, feine Ensembles mit historischem Instrumentarium geistlichen und weltlichen Klängen des Barocks nach. Das Programm von Combo CAM steht unter dem Motto »Wenn mich allein lässt, was ich liebe …« – so der Text eines wunderbar traurigen Liedes von Tomás de Torrejón y Velasco, der im 17. Jahrhundert als Kapellmeister an der Kathedrale von Lima wirkte. Etwa zur gleichen Zeit komponierte Henry Purcell in England für das Drama Oedipus seine bezaubernde Arie »Music for a while«: »Musik soll für eine Weile all deinen Kummer stillen«. Das vermag diese Musik bis heute.

Himmlische Klänge steuert das Ensemble Nuovo Aspetto mit dem Programm »Si more cantando, si more sonando« bei. Die Musiker präsentieren Teile der Canzonette spirituale e morali des Priesters und Organisten Francesco Ratis. Der war an der Stiftskirche San Lorenzo in Chiavenna tätig und schuf Musik, die weniger theologisch als lebensnah ist, in seinen Canzonette stoßen populäre Tanzformen auf geistliche Texte. Einprägsame Motetten und virtuose Instrumentalmusik aus dem Italien des 17. Jahrhunderts runden das Programm ab.

16:00-16:45 Uhr Chiyuki Okamura / Nuovo Aspetto
Pause
17:15-18:00 Uhr Combo CAM

»Delight in Musicke« suchen die Künstlerinnen und Künstler des Blockflötenquintetts Seldom Sene aus Amsterdam. Zusammen mit der Sopranistin Klaartje van Veldhoven entführen die fünf Musikerinnen und Musiker ihre Zuhörer mit Liedern, Tänzen und Fantasien der englischen Renaissance ins Elisabethanische Zeitalter. Erstaunlich viele Vögel flattern durch Texte und Musik und erheben ihre faszinierenden Stimmen. Gesang und Blockflötenklang verschmelzen auf das Schönste oder treten in einen virtuosen Wettstreit. An anderer Stelle bahnen sich individuelle und intensive Gefühle ihren Weg zu großem Ausdruck. Liebe und Tod werden besungen, aber auch heitere Madrigale und virtuose instrumentale Tänze und Fantasien kommen zu ihrem Recht, lassen aufhorchen und lassen staunen, wie bunt und facettenreiche die Welt der Blockflöte ist.

Leonardo da Vinci schuf nicht nur die berühmte Mona Lisa, er gilt auch als einer der größten Universalgelehrten aller Zeiten, war nicht nur Maler, Bildhauer, Architekt, Ingenieur und Philosoph, sondern auch Musiker. Der Mann aus dem toskanischen Vinci muss ein äußerst unterhaltsamer und geistreicher Gesprächspartner gewesen sein, Herrscher und Mächtige rissen sich um seine Gesellschaft. Witze, Rätsel und Anekdoten sind von ihm überliefert und philosophische Tagebücher voller Weisheit. Das Ensemble The Playfords hat ihm zu Ehren ein vielseitiges musikalisches Programm zusammengestellt, mit Kompositionen, denen Leonardo an seinen Wohnorten Mailand, Florenz, Rom und zuletzt in Frankreich begegnet sein könnte. Auf Renaissance- und Barockinstrumenten improvisieren die Musiker wie zu Leonardos Zeit üblich und weben unterschiedliche Texte von ihm ein. In diesem Jahr jährt sich der Todestag des Genies zum 500. Mal. Viel Schönes hat er der Nachwelt hinterlassen, auch diesen Spruch: »Die Zeit verlängert sich für alle, die sie zu nutzen verstehen.«

16:00-16:45 Klaartje van Veldhoven / Seldom Sene
Pause
17:15-18:00 The Playfords

Die Christuskirche am Stadtgarten gewann den Architekturpreis 2018 der Evangelischen Kirche im Rheinland für ihr gelungenes Miteinander von historischer Bausubstanz und moderner Architektur und bietet einen idealen Ort für musikalische Begegnungen. Hier erkunden die vier jungen Musiker des Ensembles 4 Times Baroque eine der schönsten Freundschaften der Musikgeschichte: die zwischen Georg Philipp Telemann und Johann Sebastian Bach. Nach den Erinnerungen des Bach-Sohns Carl Philipp Emanuel, dessen Patenonkel Telemann war, sahen sich die beiden regelmäßig und brachten einander große Wertschätzung entgegen. Mit Blockflöte, Violine, Cello und Cembalo lassen 4 Times Baroque die beiden großen Barockmeister in ihren Kompositionen lebendig werden. Die vier Musiker  sind selbst seit frühen Jugendjahren miteinander befreundet.

Beim Ensemble Continuum ist es die Freude an der Gegenüberstellung alter und neuer, barocker und zeitgenössischer Musik, für die die Musiker brennen. »Kontraste haben eine spannende dialogisierende Wirkung«, sagt Elina Albach, Cembalistin und Leiterin des Ensembles »Wenn ein altes Stück neben ein zeitgenössisches gestellt wird, hört sich die zeitgenössische Musik plötzlich aufregend neu an und die alte Musik wirkt harmonisch und warm.« Mit einem Programm, das die Brücke von Bach zur Gegenwartsmusik schlägt und Raum für Improvisation lässt, wandeln die Musiker auf den Spuren des Romans »Schlafes Bruder« von Robert Schneider. Schauspieler Thomas Halle, der für die Rolle des Edward Snowden in der Inszenierung »Ich bereue nichts« den Günther-Rühle-Preis erhielt, steuert die Texte bei. So entsteht ein facettenreiches Gesamtkunstwerk, bei dem Instrumental-, Vokalmusik und Sprache eine faszinierende Verbindung eingehen.

16:00-16:45 4 Times Baroque
Pause
17:15-18:00 Ensemble Continuum

Die Tar mit ihrem eigentümlich metallischen, leicht vibrierenden Klang ist eines der wichtigsten Musikinstrumente im persischen Sprachraum, vor allem im Iran und seinen Nachbarländern wird diese Langhalslaute bis heute gespielt. Etymologisch ist das Wort »Tar« mit der indischen Sitar und dem griechischen Wort »kithara« (Ursprung für unsere »Gitarre«) verwandt. Das Instrument wird mit einem Messing-Plektron gespielt, sein Resonanzkörper ist achtförmig und symbolisiert so die Unendlichkeit. Traditionell wird er aus Maulbeerbaumholz gefertigt und mit einer dünnen Membran aus der Haut eines Lamms bespannt. Zweieinhalb Oktaven umfasst der Tonumfang der Tar, neben Ganz- und Halbtönen lassen sich auf ihr auch die für die persische Musik typischen Zwischentöne spielen, die für westliche Ohren ungewohnt sind, aber auch eine besondere Faszination ausüben.

Die iranische Tar-Virtuosin, Komponistin und Performance-Künstlerin Elshan Ghasimi ist eine der wenigen Meisterinnen, die dieses Instrument beherrschen. Studiert hat sie in Teheran und Baku und wurde mit 17 Jahren jüngstes Ensemblemitglied im persischen Nationalorchester. Heute lebt sie in Berlin und Teheran und tritt vor allem solistisch auf. In ihren Kompositionen greift sie persische und europäische Dichtkunst auf – Gilgamesch ebenso wie Goethe – und setzt sich für einen Dialog zwischen der klassischen persischen und europäischen Musiktradition ein. »Die Poesie und die Musik sind für uns stete Begleiter«, berichtet Elshan Ghasimi über die Kultur, mit der sie in Isfahan aufgewachsen ist und in der Poesie, Musik und Literatur untrennbar verknüpft sind. »Unsere Großeltern wispern uns Verse ins Ohr, lange bevor wir laufen können.« In der Tar hat sie ihr Ausdrucksmittel gefunden: »Die Form der Tar ist der des menschlichen Herzen nachempfunden«, ist Elshan Ghasimi überzeugt.

Dauer ca. 30 Minuten, Stehplatzkonzert

Die Vögel der Welt machen sich auf, ihren idealen König zu suchen. Lang und beschwerlich ist ihre Reise, sie führt durch sieben Täler der Leiden und der Leidenschaft. Es ist eine Reise zum eigenen Ich und am Ende steht eine verblüffende Selbsterkenntnis. »Die Konferenz der Vögel« zählt nicht nur zu den bedeutendsten Werken der persischen Literatur, sie ist auch ein wichtiges Stück Weltliteratur, eine Brücke zwischen Orient und Okzident. Goethe ließ sich davon ebenso inspirieren wie Dante, Gustave Flaubert und Jorge Luis Borges. Verfasst wurde »Die Konferenz der Vögel« im 13. Jahrhundert von dem islamischen Mystiker Fariduddin Attar im nordöstlichen Iran. Die Wurzeln der polyglotten Schauspielerin und Sängerin Pegah Ferydoni, vielen bekannt aus der TV-Serie »Türkisch für Anfänger«, liegen ebenfalls im Iran. Sie rezitiert die wunderschönen alten Verse auf Deutsch und Persisch und bringt mit ihrem Gesang Attars großes Epos der Vögel in unser Hier und Heute. Begleitet wird Pegah Ferydoni von der Lautten Compagney, jenen Berliner Spezialisten für Alte Musik, die auf historischen Instrumenten der Renaissance sehr packend und sehr gegenwärtig musizieren. Persische Musiker gesellen sich mit persischen Lauten, Trommeln und Geigen dazu – so entsteht ein inspirierendes Miteinander. »Es ist sehr reizvoll, solche inhaltlichen Verbindungen herzustellen, die dazu führen, dass man neue Klänge und neue Ergebnisse gestalten kann«, sagt Wolfgang Katschner, der die musikalischen Fäden zusammenhält. Er ist Gründer und Leiter der Lautten Compagney und bekannt für seine ungewöhnlichen und innovativen Projekte. »Die Konferenz der Vögel« offenbart die aufgeklärten, mystischen und poetischen Tendenzen im Islam – hier gibt es viel zu entdecken. Bald erweist sich, dass es bei der Reise der Vögel um etwas sehr Existenzielles geht: die Suche des Menschen nach dem Sinn des Lebens.

Eine barocke Sonntagsmatinee mit zwei hellwachen Künstlern in der besonderen Atmosphäre und hervorragenden Akustik der Trinitatiskirche ist ein musikalischer Leckerbissen. »Wir spielen die wunderbaren Sonaten für Violine und Cembalo von Bach regelmäßig zusammen, und es ist faszinierend zu sehen, wie das zusammenwächst«, berichtet Isabelle Faust. »Ich bin sehr glücklich, dass ich jemanden wie Kristian habe, um dieses Bach’sche Universum zu erkunden.« Als Porträt-Künstlerin hat die sympathische Geigerin in der letzten Saison in der Kölner Philharmonie viele Facetten ihrer vielseitigen Persönlichkeit vorgestellt, jetzt kommt eine neue hinzu. Für das barocke Repertoire spielt Isabelle Faust eine Geige von Jacobus Stainer aus dem Jahr 1658, die im Cembalo-Klang so gut eingebettet ist und sich doch auch deutlich abhebt. Das weiche, dunkle Timbre des Instruments kommt besonders in den ausdrucksvollen langsamen Sätzen zum Tragen. »Die Sonaten für Violine und Cembalo sind ein sehr interessanter Ausschnitt aus Bachs Werk«, sagt Kristian Bezuidenhout. »Es ist eine unglaublich lebendige und dialogorientierte Musik.« Der gebürtige Südafrikaner ist einer der gefragtesten Spezialisten auf historischen Tasteninstrumenten und für Isabelle Faust der ideale Musizierpartner. Die beiden Musiker stellen Bachs Sonaten in einen interessanten Kontext mit Werken weniger bekannter barocker Meister wie Nicola Matteis, Louis Couperin und Heinrich Ignaz Franz Biber. »Diese Komponisten waren alle Teil einer gegenseitigen Befruchtung von Stilen, die auch in den Werken von Bach eine Rolle spielen«, so Kristian Bezuidenhout. »Wenn man Biber vor Bach spielt, klingt Bach anders, weil du einen klanglichen Kontext für die Musik hast.« In der Trinitatiskirche kann man sich von der Begeisterung der beiden Künstler anstecken lassen, die Ohren aufsperren und genießen.

Europäische Kammermusik aus vier Jahrhunderten und meditative Texte laden zum Verweilen nach der Sonntagsmesse ein.

Georg Friedrich Händel war 22 Jahre alt, als er 1707 in Rom sein erstes Oratorium komponierte: »Il trionfo del Tempo e del Disinganno«. Ein weltliches Oratorium, keine Oper wohlgemerkt. Opernaufführungen waren Anfang des 18. Jahrhunderts in Rom durch päpstliches Dekret verboten. Ursache war ein verheerendes Erdbeben, das große Gebiete Mittelitaliens heimsuchte. Daraufhin verlängerte Papst Clemens IX. sein Opernverbot, das zunächst für das Heilige Jahr 1700 gegolten hatte, und verordnete Demut und Abstinenz von der als lasterhaft betrachteten Kunst der Oper. Einer seiner Kardinäle, Benedetto Pamphilj, ein klerikaler Opernfan, war gar nicht begeistert von der päpstlichen Verordnung und nicht gewillt, jahrelang auf sinnliche Musik und Sangesfreuden zu verzichten. Also beauftragte er den jungen Komponisten aus Sachsen mit einem Oratorium, das sich nach außen sehr tugendhaft gab. Der Kardinal schrieb selbst den Text dafür und reflektierte darin in allegorischer Form die Vergänglichkeit alles Irdischen: Schönheit und Vergnügen auf der einen, Zeit und Ernüchterung auf der anderen Seite streiten auf sehr unterhaltsame Weise miteinander. Händel hat das mit Innigkeit und Leidenschaft musikalisch verpackt und abwechslungsreich gestaltet. Dem Komponisten selbst gefiel das Werk so gut, dass er einige der schönsten Arien später in seinen Opern übernahm. Zum Beispiel die berühmte Arie »Lascia ch’io pianga« aus der Oper »Rinaldo« stammt aus diesem frühen Oratorium. Händel begeisterte bereits damals in Rom mit seinen halsbrecherischen Koloraturen und bewegte die Gemüter allen päpstlichen Verboten zum Trotz mit sinnenfroher Musik. Nicht nur Kardinal Benedetto Pamphilj dürfte voll auf seine Kosten gekommen sein, auch für das  Publikum von heute ist das ein Ohrenschmaus.

Der Chor Sing To Soul singt seit vielen Jahren an der Offenen Jazz Haus Schule in Köln. Zum Repertoire des etwa 25-köpfigen Ensembles zählen ausgewählte Jazz-Standards in Chorfassung sowie Soul- und Pop-Songs mit schönen Arrangements. Chorleiter Thomas Frerichs liefert durch sein versiertes Klavierspiel das klangliche Fundament und den passenden Groove. Frerichs ist hauptberuflich Kantor in der Südstadt mit Schwerpunkt Popularmusik.

Ruhe, Klarheit, Erhabenheit – das japanische Nô-Theater schafft eine Atmosphäre zwischen Traum und Wirklichkeit, die in unserem hektischen Alltag wohltut. Diese Bühnenkunst ist einzigartig auf der Welt und blickt auf eine mehr als 600 Jahre alte Geschichte. Im 15. Jahrhundert entwickelte sie sich zu einer faszinierenden Synthese von Dichtung und Poesie, Schauspiel und Tanz, Gesang und Instrumentalmusik. In edle, farbenfrohe Kostüme gehüllt bewegen sich die Schauspieler über die Bühne. Der Hauptdarsteller, der Shite, trägt zudem eine Maske – das Nô ist das älteste noch existierende Maskentheater der Welt. Begleitet werden die Darsteller von einem Chor, drei Trommeln und einer Bambusflöte, die unterschiedliche Klänge erzeugen kann, von spitzen, schrillen Tönen bis zu expressiven, weichen Klängen. Eindrucksvoll sind auch die Momente, in denen alle Schauspieler, Musiker und das Publikum in atemloser Stille verharren wie in einer gemeinsamen Meditation.
Bis heute wird die Tradition des Nô-Theaters in Japan in den Künstlerfamilien von Generation zu Generation weitergegeben. Darsteller oder Musiker im Nô-Theater zu sein ist kein Job, sondern eine Lebensaufgabe. Umewaka Manzaburô III, Shite und Leiter des Ensembles der Umewaka Kennôkai Foundation, erzählt: »Ich stamme aus einer Nô-Familie, in der das Training schon sehr früh beginnt, nämlich im Alter von zwei Jahren. Mein Vater, ich selbst, meine Kinder und meine Enkel haben alle in diesem Alter angefangen.« Bereits zweimal, 1993 und 2005, brachte Umewaka Manzaburô mit seinem Ensemble die einzigartige japanische Bühnenkunst in die Kölner Philharmonie. Gespielt wird auf einer authentischen Nô-Bühne aus dem Besitz des Japanischen Kulturinstituts Köln, das in diesem Jahr sein 50. Jubiläum feiert. Eine deutsche Übersetzung der Texte wird auf eine große Leinwand projiziert, damit den Zuschauern ja kein Detail der feinsinnigen japanischen Poesie entgeht.

Eine Aufführung anlässlich des 50. Jubiläums des Japanischen Kulturinstituts Köln/The Japan Foundation

Erläuterungen zum Orgelbau, zur Geschichte der neuen Orgel in Groß St. Martin, kurze Musik- bzw. Klangbeispiele.

Nach dem Erfolg von "Por la huella del sur" präsentiert das Kammermusikensemble Camerata Sur sein neues Programm "Entre dos aguas - Zwischen zwei Meeren". Die vier Musiker nehmen uns mit auf eine Reise durch die Musik Lateinamerikas – eines Kontinents, der zwischen zwei Ozeanen liegt.

Die Vielfalt an Stilen umfasst sowohl traditionelle Volksrhythmen aus Peru, Venezuela und Brasilien als auch moderne Klänge bis hin zum Tango Nuevo von Astor Piazzola.

Im Rahmen der "Severinale 2019" finden zur vollen Stunde jeweils Orgelkonzerte (jeweils 45 Minuten) statt.

Der Organist und Pianist Andrea Trovato ist als vielgefragter Interpret ständig in Italien und ganz Europa unterwegs. Sein Repertoire reicht von früher bis zu zeitgenössischer Musik, von der Oper zur Kirche, von Barock bis Romantik. Nach seinem vielbeachteten Konzert vor drei Jahren ist er am 14. September 2019 erneut in der Kölner Andreaskirche zu Gast mit einem Programm, welches virtuose und lyrische Werke der Romantik aus Italien, Frankreich und Deutschland zu Gehör bringt.

Mit freundlicher Unterstützung des Italienischen Kulturinstitutes Köln.

Bei der von Hinnerick Bröskamp im Klangraum-Kunigunde kuratierten Reihe Klangreisen begeben sich Musiker aus verschiedenen Musikkulturen und Stilrichtungen gemeinsam auf eine musikalische Reise im Spannungsfeld zwischen kontemplativer Stille und expressiver Klangfülle. Im Mittelpunkt der Konzerte steht improvisierte, intuitive Musik des Augenblicks, geprägt von innerer Präsenz, unmittelbarem Ausdrucks und inspirierendem Zusammenspiel.Liebhaber verschiedener musikalischer Stilrichtungen, von traditioneller Ethnomusik, Weltmusik, Fusion, Jazz oder auch klassischer Moderne erleben bei den Klangreisen ungewöhnliche Klangmomente und -welten. Ausgangspunkt einer jeden Reise ist, dass die Musiker in dieser Formation zum ersten Mal zusammenspielen.